Aufgenommen am 21. Mai 1986 im Teatro Grande, Brescia; bi-mikrofonische Anordnung mit Feldeffekt (Studio Fonè).

Toningenieur: Giulio Cesare Ricci.

Produktionsleiter: Giulio Cesare Ricci.

NIKITA MAGALOFF 

Geboren 1912 in St. Petersburg, begann er seine Studien in Finnland (wohin er mit seiner Familie nach der Revolution von 1917 geflohen war) unter der Leitung von Alexander Siloti, einem Schüler Liszts und Cousin und Lehrer Rachmaninoffs. Später zog er nach Paris, studierte bei Isidor Philipp und schloss sein Studium im Alter von 17 Jahren mit einem Grand Prix ab. Bei dieser Gelegenheit sagte Maurice Ravel über ihn: „Ein großer, wirklich außergewöhnlicher Musiker ist geboren.“ Seine ersten internationalen Erfolge erzielte er mit dem Geiger Joseph Szigeti, und nach der Unterbrechung durch die Kriegsjahre war er einer der ersten Künstler, der in Paris und 1947 in den Vereinigten Staaten Konzerte gab. Unzählige bedeutende Ereignisse prägten seine Karriere, darunter die Uraufführung von Prokofjews „7. Sonate“, die Aufführung von Strawinskys „Capriccio“ unter der Leitung des Komponisten, Tourneen in Europa, den USA, Japan und Israel, häufige und regelmäßige Mitgliedschaften in den Jurys der renommiertesten internationalen Wettbewerbe (Leeds, Warschau, Brüssel, Luzern), da er sehr darauf bedacht war, neue Talente unter den jungen Generationen zu entdecken. Er nahm Musik von Liszt, Tschaikowsky, Weber, Strawinsky, Brahms, Granados auf und zuletzt für Philips das Gesamtwerk Chopins, dessen Nikita Magaloff zu den unübertrefflichen Interpreten gehört, ein Werk, das er auch in Zyklen von fünf Recitals in allen wichtigen europäischen Städten präsentierte.

Frédéric Chopin (1810-1849) / Franz Liszt (1811-1886)

Six Chants Polonais (aus op. 74) 

Der zweite "Pilgerjahre" (Années de Pèlerinage) mit dem Titel "Italien" wird als der bedeutendste der drei angesehen. Das gesamte Jahr wurde 1858 veröffentlicht, vorausgegangen waren zwei Fassungen aus den Jahren '37 und '49. In dieser Aufnahme werden die drei Sonetti del Petrarca präsentiert, deren Aufnahme in Liszts Werk um 1838 als Lieder für Gesang und Klavier erfolgte und die dann meisterhaft für Soloklavier transkribiert wurden. Auch bei dieser Gelegenheit offenbart Liszt eine außergewöhnliche Meisterschaft in der Kunst der Transkription, verstanden als authentische Neuinterpretation einer Schrift und einer neuen Sprache im Verhältnis zum neuen Ausdrucksmittel. Beispielhaft ist die Treue zu den poetischen Texten, die das erste Treffen mit der geliebten Frau (Sonett 47), die unglückliche Liebe und die inneren Konflikte der Seele des Dichters (Sonett 104) und das Erscheinen der engelhaften Frau als Symbol idealer Schönheit (Sonett 123) besingen. 16 polnische Gesänge aus Chopins op. 74 (S. 480), 1847 komponiert, wurden 1860 überarbeitet und veröffentlicht. Sie sind Prinzessin Maria von Hohenlohe, der Tochter von Prinzessin Carolyne Sayn-Wittgenstein, gewidmet. Es sind sechs der 17 Gesänge, die das Originalwerk Chopins bilden, das zwischen 1829 und '47 komponiert und zehn Jahre später veröffentlicht wurde. Wie bei Schuberts Liedern fällt Liszts Wahl auf die Texte mit größter emotionaler Wirkung und größter melodischer Schönheit, die Liszt wie immer mit diskreten tonalen Verbindungen und subtilen Stimmungswechseln miteinander zu verbinden weiß. In der von Liszt gewählten Reihenfolge sind die Gesänge: 1. Mädchens Wunsch, mit dem auch Chopins Sammlung beginnt; 2. Frühling (op. 74 Nr. 2); 3. Das Ringlein (op. 74 Nr. 14); 4. Trinklied (op. 74 Nr. 4); 5. Meine Freuden (op. 74 Nr. 12); 6. Die Heimkehr (op. 74 Nr. 15). Wieder einmal erweist sich Liszt als Meister der Transkription, indem er Chopins Intimität respektiert und eine leichte Hand in der Klavierbegleitung beibehält.

Johannes Brahms (1833-1897) Sonate in f-Moll, op. 5

Schumann begrüßte im Oktober 1853 in den Seiten der "Neuen Zeitschrift für Musik" enthusiastisch den aufsteigenden Stern des damals zwanzigjährigen Brahms. Gerade in dieser Zeit vollendete der Hamburger Komponist, indem er den ersten, dritten und fünften Satz (der zweite und vierte waren bereits vor der schicksalhaften Ankunft im Hause Schumann komponiert worden) seiner Sonate in f-Moll, die seine letzte und wichtigste seiner drei für Soloklavier bleiben sollte. Die Unterschrift "Kreisler iunior" am Ende des Manuskripts sagt viel über seine moralische Verpflichtung aus, den Weg des Autors der "Kreisleriana" fortzusetzen... Die Sonate ist der Gräfin von Hohenthal gewidmet. Die ungewöhnlichen fünf Sätze scheinen an die archaische Tradition der "Divertimenti" anzuknüpfen. Die Abfolge der Sätze wechselt schnelle und langsame Tempi, wobei letztere durch die Identität des thematischen Materials verbunden sind. Und auch innerhalb eines Satzes, insbesondere des ersten, der ganz auf dem kontinuierlichen Klangfluss des leidenschaftlich schwingenden Hauptthemas basiert, entdecken wir Brahms, der bereits begonnen hat, die Grundlagen jener speziellen Kompositionstechnik – der sogenannten kontinuierlichen Entwicklung – zu legen, die zu einem Merkmal seiner Sinfonien werden sollte. Auch hier, wie im Rest der Sonate, ist die Suche nach einem fast orchestral klingenden Klangvolumen deutlich. Die nächtliche, kontemplative romantische Atmosphäre des berühmten Andante knüpft an die ebenso suggestiven Adagi der Sonaten op. 1 und 2 an und löst mit ihrem intensiven, aber reinen und zurückhaltenden Pathos den sentimentalen Ton der ihm vorangestellten Verse von Sternau ein: Der Abend dämmert, das Mondlicht scheint, Da sind zwei Herzen in Liebe vereint Und halten sich selig umfangen. (Der Abend dämmert, das Mondlicht scheint: Siehe, zwei Herzen, vereint in Liebe, und sie bleiben selig umschlungen). Verse, die den einsamen existentiellen Moment widerspiegeln, den Brahms damals durchlebte. Das rhythmisch gegliederte Scherzo ist eine typisch Brahms’sche Schöpfung, während im Trio eine nostalgische Kantabilität vorherrscht. Anders als in der klassischen Tradition fügt Brahms an dieser Stelle, als vierten Satz, ein Intermezzo ein, dem er den Titel "Rückblick" gibt und das im dunkleren b-Moll das Thema des Andante wieder aufnimmt. Das Finale, als Rondo strukturiert, hat ein rhythmisch markantes Hauptthema, dem sich, mit einem einzigartigen Effekt, zwei lyrisch-kantable Nebenmotive anschließen. Das zweite dieser Motive (in Des-Dur) wird zu einer umfassenden polyphonen und kontrapunktischen Ausarbeitung führen (schon damals erweisen sich diese Verfahren als der Brahms’schen Strenge eigen). Schließlich schließt eine brillante Coda, in der auch das Hauptthema wieder auftaucht, dieses monumentale Werk in einem Klima triumphierender Euphorie ab.

Anna Bergonzelli